Romanticismo y Realismo

Aunque en varios aspectos, estas dos corrientes se diferencian por tener varios valores opuestos, sobre todo si consideramos sus periodos de vigencia entre cada uno son sucesivos no es posible entenderlos por separado.
Pues en parte el realismo es consecuencia de la radicalización de algunos principios románticos; y pues artistas y teóricos trataron de encontrar una síntesis válida entre posiciones contrarias, dentro de un eclecticismo sistemático que afecto muchas creaciones artísticas de aquella época, de donde las tradiciones del clasicismo tampoco desaparecieron repentinamente.
De cualquier forma los aspectos característicos del romanticismo se reconocen, con más claridad y fuerza durante la primera mitad del siglo XIX: la libertad individual como una aspiración irrenunciable; el nacionalismo como sentimiento del pueblo frente a una autoridad impuesta, la nostalgia de tiempos pasados como modelo intelectual y estético que se desea recuperar, la curiosidad exótica hacia otras culturas, como una forma de escapar a la insatisfacción de lo cotidiano; el misterioso atractivo de lo irracional, ante la incapacidad de la razón por explicar los grandes enigmas del ser humano; la entrega rendida hacia lo sentimental y afectivo, siendo la única posibilidad de escapar a lo terrenal; o la imposibilidad de de alcanzar los grandes ideales que cambien el mundo y sin embargo la fervorosa aspiración a ellos.
Desde un espíritu crítico que se opone a una cultura rígidamente reglamentada y a la larga aniquilosada en fórmulas sin contenido, la sinceridad y la verdad fueron valores en alza; lo popular comenzó a ser sinónimo de moralidad y autenticidad, frente a los convencionalismos del arte oficial; todo lo que no entraba dentro del mundo de los sentidos, empezó a abandonar el mundo del arte; solo lo visto y lo vivido, se experimento sensorialmente, que formaba parte de la creación artística. Es el relismo que domina la segunda mitad del siglo XIX.

Romanticismo

Realismo

Aspectos estéticos, sociales, funcionales y simbólicos

El análisis histórico-artístico que admite una pintura, después de haber valorado objetivamente los aspectos que hemos revisado anteriormente, está estrecha con la metodología con que abordaremos su estudio. Pero en general podemos digirir nuestras conclusiones hacia las siguientes vertientes:

• Toda la pintura responde a una época en la historia de la humanidad, de un lugar o de un artista en concreto; ello permite adscribirla a una cierta corriente, que tiene ciertas características.
• Una imagen es la constitución de un objeto cultural, que tuvo en su tiempo un papel personal o social, transformado, en todo o en una parte, hasta nuestros días.
• Aunque la mayor parte de las pinturas son objetos artísticos, fueron concebidas para cumplir una función en un determinado lugar, conservado o perdido, que va estrictamente asociado a su significado histórico, o bien forman parte de una determinada colección.
• Como todo lenguaje artísitico, una pintura encierra muchos más significados que los meramente derivados de su forma y de su tema; expresa ideas abstractas, que es necesario desentrañar para apreciar su valor.

Pintura de Jacqes Louis David

Aspectos formales de una pintura

El lenguja pictórico posee determinados códigos, cuya lectura nos permite comprender los fines expresivos propios que poseela pintura como especialidad artística. A la hora de realizar un análisis debemos tomar en cuenta los siguientes aspectos:

La línea: permite reconocer unas determinadas formas; hay pinturas dibujadas con un trazo firme y cerrado, que revelan una voluntad de descripción; otras más bien tienen un trazo abocetado o abierto que suele identificarse con la imaginación y la franqueza, como:

 

Esta pintura es de Théodore Géricault del estilo Romántico frances, pero como podemos observar su trazo es abocetado.

La línea también puede generar una estructura independiente, o por el contrario integrarse a otros elementos, como el color.

El volumen: aunque la pintura es bidimensional, las figuras pueden eventualmente, sugerir una corporeidad, es decir pacerer ante nuestra observación como figuras moldeadas esto gracias al claro oscuro.

Como podemos observar en estas obras de arte urbano el volumen, de cada objeto es hasta cierto punto excelente, pues da una sensación de tercera dimensión. Las dos obras son del artista: Julian  Bewer.

El espacio: en la pintura occidental desde el Renacimiento hasta el siglo XIX, la ilusión de la tercera dimensión se sugiere a través de la perspectiva, de manera que la pintura se convierte en una especie de ventana que se abre a un espacio imaginario. Pero fuera de esos límites cronólogicos, así como en otras culturas, hay diferentes formas de sugerir el espacio, ya sea por procedimientos simbólicos, como en el arte medieval, o a base de la superposición de planos, como en el cubismo. 

Aqui hay una digna representación del cubismo de su gran iniciador Pablo Picasso, donde observamos la superposición de planos.

El color: es el elmento que con más propiedad define una pintura. Existen diversas clasificaciones de colores; por ejemplo los primarios, que son el amarillo, rojo y azul, o secundarios que nacen de la mezcla de los primarios; cálidos es decir, los que expanden la luz y acercan al espertador, como el rojo o el amarillo, o fríos es decir los sugieren distancia como el verde y el azul. Pero ante todo la relación con otros elementos de la pintura, ya sea por su sentido simbólico o por la voluntad de implicarse en un determinado argumento expresivo.

 

Aqui podemos observar una de las obras más conocidas del pintor Vincent van Gogh "La noche estrellada", la cual es conocida como su magnum opus, se pueden analisar que sus colores son frios predominando el azul , un poco de verdes, los amarillos y blancos que dan luz a la obra.

La luz: esencialmente, hay que distinguir entre tres formas de iluminación; la uniforme, que se distribuye por igual en todas las partes del cuadro; la dirigida que sirve para destacar con mayor intensidad unas partes que otras, generando tensiones expresivas y dinámicas; y la que va vinculada a los planos de color, como los origenes de la pintura moderna.

La Incredulidad de Santo Thomas

Este e un ejemplo de luz, que se observa en la pintura de Caravaggio donde solo da luminosidad en este caso a Jesus y a santo Thomas y solo en parte de la cara de los otros dos personajes.

La composición: deriva de ordenar armónicamente los elementos del cuadro. Suele hablarse de composiciones cerradas es decir, aquellas que convergen en el centro del cuadro, o abiertas, que se expanden hacia los extremos.

En general pueden distinguirse esquemas compositivos (triángulos, diagonales) y líneas de fuerza, centrifuga o centrípeta, que tienden a sugerir movimiento o estabilidad.

Cómo analizar una pintura

Aspectos Técnicos
 el paso previó al anáilisis de cualquier pintura es la precisa determinación de como ha sido ejecutada, de su soporte y sus medidas. Los aspectos técnicos son fundamentales para conseguir eterminados acabados, texturas, colores o efectos superficiales de cualquier tipo. La técnica también tiene su historia; de la misma manera que determinadas técnicas se paractican más en unas épocas que otras, la evolución de algunas es decisiva para entender propuestas artísiticas innovadoras. Así por ejemplo, sin existencia de tubos de colores, con pigmentos que producen resultados muy estridentes y fabricados industrialmente, no es posible entender el impresionismo.

Aspectos iconográficos

Aunque es un error muy grande confundir la historia de la pintura con la historia de la representación, cualquier pintura hasta la más abstracta, tiene un motivo. Ciertamente la esencia de la pintura no está en la representación de ese motivo concreto, que puede repetirse de modos completamente distintos, en épocas y artistas diversos (buenos y mediocres), y por supuesto resulta incomprensible si no se vincula a un contexto cultural, de carácter personal o social. Pero es conveniente reflexionar sobre su valor, antes o después de analizar su obra.

Las grandes culturas han desarrollado una iconogrfía relativa a su panteón de diose: en Occidente por ejemplo es común el tema estraídos de la mitología ya sea grecorromana o bilicos. Como también hechos históricos pasados o contemporáneos, los alegóricos y literarios, que son fuentes esenciales de la pintura de asunto.

Aquellos cuadros que presentan anécdotas más o menos trascendentales en ala vida cotidiana reciben el nombre de cuadros de género. Otro apartado considerable es el retrato  (es necesario reconocer la identidad del personaje , con su biografía y su significación), el paisaje las vistas de arquitectura  y las naturalezas muertas o bodegones.

Desde el realismo, que acabó con la jerarquía de los asunto, el tema pictórico ha de tratrse de manera diferente, pero no puede despreciarse. El pintor contemporáneo alude de diversos modos, elementos plásticos que producen de una determinada noción de realida, ya sea visible o imaginaria, figurativa o abstracta, pero siempre susceptible de ser descrita en términos concretos.

Instrumentos de percusión

Definición y clasificación

En la familia de la percusión es el grupo de instrumentos musicales que se golpean para producir sonidos o ruidos característicos. Con menos frecuencia, también son raspados, agitados o pulsados.

Los instrumentos de percución se puedendividir en dos grandes categorias: los membranófonos y los idiófonos; ambos grupos incluyen instrumentos de altura indefinida y altura definida. Son membanófonos el timbal, el bombo y el tambor, e idófonos, casi todos los demás instrumentos de percusión.

Son instrumentos de altura indefinida el bombo, el tambor, el platillo y el gong, mientras que el timbal, los carillones, la celesta y el xilófono son instrumentos de altura definida.

La teoría del arte

La disciplina que trata dedefinir teóricamente se denomina estética. Cada época como también cada credor o cada uno de nosotros en general tiene unos valores estéticos propios que son esenciales para conocer y comprender las directrices generales de las obras de arte. Esos valores estéticos encierran contenidos muy variados  que van desde la preferencia por ciertas formas, colores  y volúmenes o espacios hasta la adecuación a ciertas funciones o usos. La belleza de un objeto concentra valores sensoriales, más o menos intuitivos e intelectuales ligados a los anteriores; la sintésis de ambos produce una emoción artística.
Cuando en arte hablamos de belleza nos referimos a un proceso complejo de contemplación y una reflexión. Por lo tanto la formulación que se hace de la belleza, ya sea, de modo general en un paríodo histórico ya sea en un pensador o artista,coleccionista o críticoconcreto, cuyas ideas no interesan para comprender las obras de arte, determina siempre la existencia de un modelo, que se toma con medida de juicio. 

Gustav Mahler "La Canción de la Tierra"

Haciendo un paréntesis con el arte vamos a hablar de una magistral obra de madurez del compositor austriaco Gustav Mahler, realizada en los inicios del siglo XX, un ejemplo de música mixta para orquesta sinfónica y voces.

La canción de la tierra es una ciclo de seis canciones para contralto, tenor y orquesta, que fue compuesta por Mahler en 1909, curiosamente dos años antes de su muerte. Por lo que esta magistral concepción de arte musical de Mahler, fue la fase final de su carrera y de su vida.

En el año de 1907 tuvo lugar una ruptura con la opera de viena, la muerte de su amada hija María y el diagnóstico de una afección cardiaca que fue mermando su salud, que poco después lo llevaría a la muerte.

Mahler encontró su sombrío estado se ánimo en unos poemas chinos muy antiguos recientemente traducidos al alemán, "La flauta china", y decidió incluir lagunos de ellos a la sinfonía de seis canciones, revisando y en ciertas ocaciones ponía a trabajar su genialidadampliando los poemas. De hecho se perciben ciertos elementos de la música china en el tratamiento de la percusión y en el uso de escalas pentatónicas.
Temiendo componer una novena sinfonía, creo este ciclo de canciones, que en estructura orquestal y en el desarrollo se parecía a sinfonías anteriormente compuestas por él mismo, como la segunda, la Sexta y la Octava. El temor que el tenía por crear una novena sinfonía era fundado por un hecho tal ves en cierto punto en una coincidencia, ya que Beethoven y Bruckner murieron en el transcurso de dicho proyecto.
Esta obra conmueve  por su extrema sensibilidad y la melancolía, típicas de las últimas creaciones de Mahler. En una carta a su amigo Bruno Walter, que estrenó la obra en 1911, Mahler le confiesa que eso era lo más personal que hasta entonces había creado.
En este hibrido de lieder y sinfonía, dos movimientos exteriores de considerable extensión, complejidad y fuerza emocional encuadran dos movimientos más ligeros y delicadamente instrumentados, miniaturas melancólicas acerca de la belleza y brevedad de la vida. La obra cierra con un extenso movimiento final, un adiós a la vida en el que se reflexiona resignadamente frente a la muerte.
La audición recomendada: De la juventud
Este lied para voz solista (tenor) y orquesta pertenece al tercer movimiento de La Canción de la Tierra.
De la juventud, al igual que De la belleza, es un hermoso cuadro chino entrtejido en la textura cultural más profunda de la obra.
En la orquesta además de la cuerda y el viento, se añaden instrumentos como el glockenspien, la celesta la mandolina y dos arpas.  

La reflexión crítica sobre los objetos Bellos

La condición humana está ligada a la producción y uso de objetos que son fruto de su pensamiento y de un proceso de elaboración. Cualquier objeto se relaciona a satisfacer determinadas necesidades existenciales, ya sean del tipo espiritual o material, aqui entramos en que aspecto es el más importante para satisfacerlo, me refiero a si es a la satisfacción de lo material; que desde mi punto de vista claro hay cosas esenciales que debemos satisfacer con lo material, pero nunca llegar a un exceso, que creo yo, termina de matar nuestra necesidad espiritual a solo satisfacer nuestra hambre de ideas materialistas, por lo que desnutrimos nuestro espíritu.
Todos estos aspectos han acompañado al ser humano desde su aparición en la Tierra, desde lo más diminuto a lo más complejo, desde lo más práctico a lo más trascendente, de lo más permanente a lo más precerdero. Esto lleva al ser humano por un camino de expresión individual y socialmente, la vida, cuya elocuencia es mayor para quien sabe analizar este testimonio.

Cuando se reflexiona sobre cualquiera de esos objetos, en virtud de su belleza, a tráves de la persona que los proyecta a la sociedad a la que van destinados con una retroalimentación, como consecuencia de su apreciación de culturas ajenas que los contemplan podemos hablar de una obra de arte.

El Arte, una expresión humana dificíl de definir

El arte es ellenguaje coloquial para referirnos a una de las actividades más representativas del ser humano, es decir la creación de cosas bellas, podríamos decir que es un término muy fácil de definir ya que que es un lenguaje universal e históricamente inmutable Pero en realidad estamos tratando un concepto bastante complejo, ya que al paso de las civilizaciones nuestros antepasados humanos no estuvieron conscientes de este concepto, pero estamos de acuerdo en que este concepto tiene un fin muy variable tomando en cuaenta su sentido, contenido y su alcance tanto en el espacio como en le tiempo mismo.

Pues como sabemos, la busqueda del conocimiento que realizamos los seres humanos es variada ya que existen varios factores que modifican esta concepción del ser humano por el conocimiento, en este caso el arte no se define de una manera fácil, por lo tanto de la propia conciencia que se posee de este concepto en un determinado ambito cultural, es decir de la existencia deunproceso asumido que conduce a la concepción de un objeto bello, con todas sus implicaciones ya sean técnicas, sociales, históricas y personales, en cosecuencia tenemos la aparición de la belleza como tal. Pero a que me refiero cuando digo que los tiempos y por que con esto se cambia parcialmente la visión del arte como tal; precisamente a lo dicho antes respecto por ejemplo: en el aspecto histórico no es la misma concepción del arte en la época renacentista  que en la edad antigua o en cualquier otra época, esto debido a los conocimientos que tiene el ser humano, en donde entran el contexto personal y el social que modifica al antes mencionado.
Ahora bien la consideración artística de cualquier objeto o proceso creativo al margen de la valoración concreta que tuvo para su autor o para la civilización  que lo configuró por el mero hecho de ser apreciado como tal dentro de una reflexión estética posterior.Eso nos hace valorar en los tiempos actuales como artísticas las obras prehistóricas y no considerandolas como obras primitivas. Esta reflexión estética es lo que nos hace pensar de manera objetiva y en cierto modo subjetiva estas obras situadas en la posisción que ya habiamos comentado es decir en un contexto social, histórico y personal.